EL ARTE IBERO Y LAS ESCULTURAS DE PORCUNA

A comienzos de la década de 1970,los propietarios de un olivar ubicado en el Cerrillo Blanco,un altozano situado próximo a la población de Porcuna (Jaen),encontraron entre la tierra una preciosa cabeza de caballo esculpida en piedra.Ninguno de ellos imaginaba entonces que bajo el suelo que labraban descansaba el mas importante conjunto escultórico de la época ibérica jamás encontrado.Colocaron la cabeza en el tronco de un olivo,como hacian con todas las piedras que sacaban sus arados,pero guardaron silencio sobre el hallazgo.

Cuando en 1975 aparecieron mas esculturas,el hecho (se desconoce de que manera) llegó a oido de dos gitanos de Bujalance (Córdoba),quienes se percataron del valor de las piezas y las compraron a los agricultores.Juan Gonzalez Navarrete,en ese momento Director del Museo de Jaen,se debió de quedar pasmado aquel 20 de junio de 1975 al ver las seis figuras que aquellos dos hombres le ofrecían,entre ellas las conocidas como la "Grifomaquia"y el " Masturbador" ,esculturas de una calidad inédita en el arte prerromano de la Peninsula Ibérica.El investigador cerro de inmediato la compra, no solo de aquellas piezas, sino de otras ocho que los dos gitanos guardaban en Bujalance y que esa misma noche llevaron al Museo.

Gonzalez Navarrete intentó sonsacarles, al principio sin éxito,el lugar de procedencia de aquellas increibles esculturas, pero,segun ellos los dueños de los terrenos no querian saber nada de excabaciones arqueologicas ni de tratos con las autoridades.Tras tres horas de árduas negociaciones y la promesa de una indemnizacion justa,lograron arrancarles el lugar del hallazgo.
Al dia siguiente Gonzalez Navarrete recibia de los propietarios una autorización por escrito para comenzar los trabajos en el olivar a cambio de 30.000 pesetas ( unos 180 euros de la época); y de las autoridades culturales.el permiso para realizar una escavación de urgencia. Una vez en el Cerrillo Blanco, el y sus colabordores llevaron a cabo una primera recogida de los fragmentos visibles,con los que llenaron un camion.Las excavaciones comenzaron al dia siguiente.Para evitar problemas posteriores sobre la propiedad de las piezas, Navarrete compró los terrenos con su propio dinero,hasta 1998 no se los vendió al Ayuntamiento de Porcuna.

Durante la primera campaña se excavó la zona que habia sido removida por los furtivos y se encontraron,a una profundidad de entre 50 y 90 centimetros,unas grandes losas que cubrian una zanja en la que se recuperaron siete esculturas grandes y cientos de fragmentos . Junto al limite oeste de la finca se localizó una de las piezas mas famosas del conjunto ,"El guerrero junto a su caballo", asi como un toro .En total,la campaña se saldó con la recuperación de 1274 esculturas y fragmentos,que precisaron de tres camiones para su traslado al museo de Jaen .

En la campaña arqueológica de 1976 se hallo la" Cabeza del guerrero de la doble armadura" ,asi como una necrópolis iberica de incineración ; y al año siguiente se descubrió que la necrópolis anterior estaba situada sobre un cementerio tartésico del siglo VII a.C. que incluia una tumba de cámara.Parecia evidente una relación directa entre el conjunto escultórico y aquel ámbito funerario .

Desde el mismo momento del descubrimiento comenzó la lenta tarea de reconstrución de la figuras,trabajo complicado dada su enorme fragmentación.En un primer momento,los encargados de la restitución de los fragmentos fueron el mismo director del Museo de Jaen ,Gonzalez Navarrete , y el escultor Constantino Unghetti, a los que mas tarde se incorporó Iván Negueruela.Este investigador explica que trabajaban sobre mesas enmoquetadas,sobre las que disponian grupos independientes de pies, brazos, piernas...Luego se buscaba el modo de encajar las piezas; cada pie se confrontaba con todas las pantorrillas, cada pantorrilla con todas las piernas,y asi hasta encontrar alguna que casara.
    

Las esculturas han sido datadas entre los años 470 y 420 a.C., y posiblemente fueron obras de un taller que trabajó en ellas durante años. La influencia griega resulta evidente,tanto en el estilo como en las escenas plasmadas,pero la indumentaria y las armas representadas son totalmente locales.Se discute si los escultores eran de origen griego o bien indigenas,aunque se aprecia una evolución que podria indicar que hubo una continuidad en la talla despues de desaparecer un primer maestro. Aunque no existen estudios que lo avalen,todo indica que la piedra caliza empleada proviene de las canteras de Santiago de Calatrava,ubicada apoca distancia de Porcuna.

La calidad de las esculturas es excepcional;incluso se representan transparencias bajo,los ropajes .Se desconoce el numero exacto de figuras que formarian el conjunto,tal vez mas de cincuenta, unas aisladas y otras formando escenas ,todas sobre una base.La mayoria de las esculturas son exentas,aunque hay varios altorrelieves. Se han encontrado restos de pintura roja en algunos fragmentos .

Grifomaquia

Oferente con cápridos

La Arpia

Aparte de las escenas de combate,de las que se han individualizado cinco parejas de guerreros luchando,encontramos hombres peleando con animales mitológicos como en la "Grifomaquia",animales sueltos como toros o aguilas,carnivors atacando ganado,figuras de antepasados,posibles divinidades como " La muer serpiente " o el "Oferente con cápridos",animales mitológicos como el "Grifo con serpiente" o " La Arpia" , y escenas mas cotidianas como " Los jovenes peleando" o " los cazadores de liebres y perdices" .Todo indica que este excepcional conjunto permaneció muy poco tiempo expuesto y que fue destruido como mucho medio siglo despues de su realización ; incluso hay piezas que parecen no estar finalizadas en el momento de su destruccion.Sobre todo fueron destrozados con saña,los rostros y atributos aristocraticos ,tal vez un intento de eliminar la memoria de los representados.

Sobre el significado del conjunto subsisten muchas dudas ; ¿se trataba de un monumento en honor a unos antepasados heroizados o bien de un santuario ? ¿ Lo destruyeron otros grupos rivales ,quizas invasores? y, ¿ quien enterró luego las estatuas tan cuidadosamente? Se esta aun muy lejos de contar con todas las claves de un hallazgo tan extraordinario como enigmático.Mientras,los guerreros De Porcuna siguen sobrecogiendo al visitante que los contempla en su Sala del Museo De Jaen.

Bibliografia :
Benjamin Collado Hinarejos ( historiador) "Los iberos y su mundo" 

http://algargosarte.blogspot.com/2014/10/el-conjunto-escultorico-de-porcuna.html

http://www.enciclonet.com/articulo/ibero/#  

http://www.deporcuna.com/iberos.htm

EL NEOCLASICISMO EN ESPAÑA...UN IMPULSO RENOVADOR EN EL ARTE

La sustitución en el trono de España de la dinastía de los Habsburgo por la de los Borbones, con la llegada de Felipe V en 1714, fue un factor determinante para que entraran las corrientes artísticas extranjeras y se produjera el cambio de gusto en las artes españolas. Los artistas llamados para trabajar en los palacios reales, franceses e italianos principalmente, trajeron a España las manifestaciones artísticas del clasicismo francés y del barroco clasicista italiano, mientras los artistas españoles estaban inmersos en un barroco nacional que pervivirá aun hasta fines de siglo. 

Otro hecho decisivo para la introducción del estilo artístico importado fue el incendio, en 1734, del antiguo Alcázar de Madrid, residencia de los Austrias; Felipe V solicitó la presencia en Madrid del arquitecto Filippo Juvara  para que hiciera los planos de la nueva residencia real. Con Juvara primero y, tras su muerte, con Giovanni Battista Sacchetti llegó el barroco clasicista italiano. En la obra de Palacio se formaron muchos de los futuros arquitectos españoles y muchos escultores y pintores trabajaron en su decoración.

Con los primeros Borbones llegó un deseo de renovación frente al barroco churrigueresco que había sustentado la casa de Austria. Los reyes tomaron la iniciativa en el campo de las artes sirviéndose de una institución, la Academia, que ejerce el control sobre ellas. Poco a poco se instauró el reformismo ilustrado contando para sus proyectos renovadores con la ayuda de notables ilustrados españoles como Aranda, Campomanes, Floridablanca, Jovellanos o Ponz.

La Academia de Bellas Artes de San Fernando nació gracias a los deseos del rey Fernando VI. La Junta Preparatoria de la Academia ya mostraba en su composición la presencia de artistas extranjeros que trabajaban en las obras reales, como su presidente, el escultor Domenico Olivieri o algunos de sus directores como el escultor Antoine Dumanché, el pintor Louis van Loo y el arquitecto Giovanni Battista Sacchetti. La orientación de la Academia estuvo marcada desde el comienzo por el rey, quien, con un concepto ilustrado de la función del arte, deseaba la renovación y el control de la producción artística para que sirviera de ornato y enaltecimiento a la Corona. A imagen de la Academia madrileña surgieron las del resto de España.

Con la llegada al trono de Carlos III en 1760, la función dirigente del rey y de la Academia se manifestó de forma más clara. El nuevo monarca había apoyado en Nápoles las excavaciones de las ciudades de Herculano y Pompeya, siendo conocido su entusiasmo por la arquitectura y las demás artes, su interés por el pasado clásico y su apoyo a la edición de las Antigüedades de Herculano. En 1783 publicó una Real Orden por la que se declaraban libres las profesiones de las Nobles Artes de Dibujo, Pintura, Escultura, Arquitectura y Grabado, pudiéndose ejercer desde entonces sin necesidad de formar parte de un gremio. Con ello la Academia se convertía en la única instancia autorizada para expedir títulos o racionalizar el aprendizaje de las artes, por lo que controlaba la orientación de la producción artística, a la que se contribuía con pensionados en Roma para los alumnos destacados.

El proceso de introducción en España de las corrientes neoclásicas tiene en común con el resto de Europa el profundo análisis que se hace de las fuentes del clasicismo, el interés por la arqueología, el estudio de la tratadística, la crítica de la tradición y el rechazo del último barroco. Aunque el desarrollo del Neoclasicismo en las tres artes no fue coincidente en el tiempo, puede decirse que tuvo sus primeras manifestaciones durante el reinado de Fernando VI , floreció bajo Carlos III  y Carlos IV  y prosiguió todavía, tras la Guerra de la Independencia, con Fernando VII , si bien ya convivía con otras corrientes más novedosas.

Arquitectura

Fue en la arquitectura donde antes se apreció el impulso renovador con la obra de palacio, donde surgieron los arquitectos más notables de la segunda mitad del siglo XVIII. En este ambiente primero, en la Academia de Bellas Artes de San Fernando después, se revisaron las concepciones arquitectónicas, coincidiendo todos, a pesar de los diferentes postulados existentes, en el desprecio hacia el barroco castizo motejado despectivamente de churrigueresco, al que se quería asociar con la ignorancia y el mal gusto populares.

Desde el proyecto ilustrado la arquitectura no debía limitarse sólo a intervenciones puntuales, sino que era parte de un todo que tenía la misión de conseguir un marco adecuado para la vida de los ciudadanos. Así, las ciudades debían mejorar sus servicios de alcantarillado, acometida de aguas, adecentamiento de calles con iluminación y empedrado, hospitales, jardines, cementerios etc., en resumen, había gran interés por dotar a las poblaciones de un aspecto más noble y lujoso que pudiera reflejar la grandeza del soberano y el bienestar de sus súbditos. También era preciso mejorar la infraestructura de caminos del país, para comunicar con facilidad las diferentes zonas y agilizar así el comercio y la industria. La fundación de nuevas poblaciones sirvió para colonizar zonas escasamente pobladas y controlar de esta manera el territorio. También se impulsaron las obras hidráulicas, como canales y acueductos, para facilitar el transporte y la distribución del agua necesaria para el riego de los campos y para el consumo.

Dentro de estas empresas ilustradas estaba la colonización de Sierra Morena y Nueva Andalucía con la fundación de poblaciones como La Carolina, La Carlota, Almuradiel etc. a lo largo del camino Real de Andalucía, o la creación por intereses militares de las nuevas poblaciones costeras de El Ferrol o de la Isla del León (San Fernando). También es importante destacar la construcción de canales, como el de Castilla o el Imperial de Aragón, que se consideraban un medio importante para el riego y el transporte. Todas estas obras se realizaron con el trabajo de los arquitectos pero, sobre todo, de los ingenieros militares.

Desde la Academia se acometió la tarea de buscar un modelo ideal para la arquitectura. Se trataba de revisar y criticar toda la tratadística anterior, desde Vignola a Palladio o Serlio, con el fin de ir directamente a las fuentes del pasado a través de viajes que posibilitaran conocer las ruinas, catalogarlas y estudiarlas, a fin de sacar unas conclusiones de validez universal.

Diego de Villanueva ( director de Arquitectura de la Academia, publicó en Valencia  Colección de diferentes papeles críticos sobre todas las partes de la Arquitectura, donde muestra conocer las teorías racionalistas de Laugier o Algarotti, entonces de moda en Europa. Entre su obra construida resalta, por su sentido simbólico, la reforma del palacio Goyeneche en la calle de Alcalá de Madrid, para sede de la Academia de San Fernando , reforma que consistió en mutilar la fachada barroca ricamente ornamentada que años antes había construido José Benito Churriguera.

También en estos años sobresale el arquitecto Ventura Rodríguez , notable por la cantidad de obras que construye y por el control que sobre la arquitectura de toda España ejerció desde la Academia y desde el Consejo de Castilla. Obra suya es la remodelación de la basílica del Pilar de Zaragoza, con la construcción de una capilla exenta para el culto de la Virgen dentro del gran templo. La capilla está pensada como un enorme baldaquino construido en mármoles de colores y bronces muy en la línea del último barroco romano que había aprendido en la obra del Real Palacio.

 Es también autor del convento de los Agustinos Filipinos de Valladolid  que, aunque al exterior trae recuerdos escurialenses, tiene en su planta ecos de la obra de Juvara en Turín.

                                     CONVENTO DE LOS AGUSTINOS FILIPINOS

Con la llegada de Francesco Sabatini , que viene de Nápoles con Carlos III con la misión de atender la política reformista del rey en el campo de la arquitectura, decrece la importancia de Rodríguez. Sabatini trazó la escalera principal del Real Palacio  e intervino en la edificación de obras monumentales para Madrid, representativas del poder real, como la Puerta de Alcalá que conmemoraba la entrada de Carlos III en la capital, el edificio de la Aduana de Madrid , hoy Ministerio de Hacienda en la calle de Alcalá, y el Hospital General , todo dentro del diseño racionalizado del barroco clasicista que había conocido en Nápoles. La actividad de Sabatini cubrió el campo de la arquitectura civil y de la ingeniería militar; dirigió numerosas obras en toda España, desde la catedral de Lérida a la fábrica de armas de Toledo o el trazado de la nueva población de San Carlos en la Isla del León (Cádiz).

Después de unos años de enorme labor crítica y teórica desde la Academia, comenzó a trabajar una nueva generación de arquitectos cuya figura más representativa es Juan de Villanueva , hermano del ya citado Diego. Es el arquitecto que mejor refleja la consecución y codificación de un auténtico lenguaje neoclásico, a la vez que su trabajo como arquitecto real le convierte en el traductor de los gustos del rey. Es autor en El Escorial de las Casas de Oficios

                                           LA CASA DE LOS OFICIOS
  Frente al monasterio y también de las Casitas de Arriba y de Abajo, edificaciones de aspecto totalmente clasicista. Incluidas en el programa cultural de corte ilustrado del gobierno de Carlos III están tres de las obras más emblemáticas de Villanueva: el Museo del Prado,el Jardín Botánico y el Observatorio Astronómico. El hoy Museo del Prado estaba pensado como Academia de Ciencias o Gabinete de Historia Natural y se inició en 1785; su arquitectura de formas clásicas perfectamente depuradas, integrada por volúmenes independientes conectados entre sí, es una muestra del modo neoclásico de combinar formas puras.

Coetáneo de Villanueva fue Ignacio Haan , que destacó por sus obras en Toledo bajo el mecenazgo ilustrado del Cardenal Lorenzana; es autor del edificio de la Universidad  con un patio con columnas jónicas y estructura adintelada, un verdadero manifiesto del Neoclasicismo.

El País Vasco fue un foco admirable de la arquitectura clasicista. Justo Antonio de Olaguibel edificó la Plaza Nueva de Vitoria, con la que recoge una tradición española de plaza mayor porticada de austeros y uniformes elementos, modelo que tendrá después continuidad en Bilbao, con la Plaza del Príncipe, y en San Sebastián con la Plaza de la Constitución, levantada por Pedro Manuel de Ugartemendía.

Por los contactos con el exterior, a través de los textos teóricos que se han ido traduciendo y por los viajes de los arquitectos a Roma o París, hacia 1790 la arquitectura española vive un momento semejante al de otros países europeos. Isidro González Velázquez , discípulo de Villanueva, crea en la Casita del Labrador del Real Sitio de Aranjuez , con la colaboración en la decoración del Gabinete de Platino de los arquitectos de Napoleón, Percier y Fontaine, una obra que aúna la racionalidad, el gusto por la antigüedad y las modas francesas. Por el contrario, Silvestre Pérez, más en la línea de los arquitectos visionarios, basa toda su arquitectura en el empleo de volúmenes puros e independientes, como en la parroquia de Motrico o en la de Mugardos (La Coruña) (1804).

Escultura

La escultura Neoclásica tuvo un desarrollo particular y menos visible que en otras artes. En ella pesó poderosamente la tradición imaginera, con obras en madera policromada, que había sido habitual en las costumbres devocionales de los españoles, por lo que apenas existía una escultura monumental que no estuviera ligada a las necesidades religiosas. Por ello los primeros indicios de cambio se encaminan hacia el barroco francés que traen los escultores cortesanos.

Desde la Academia, artistas como Francisco Gutiérrez  o Manuel Álvarez de la Peña  crearon una escultura en materiales nobles, que en muchos casos estuvo destinada al ornato urbano. Gutiérrez es autor de la Fuente de Cibeles  y colabora en la parte escultórica de la Puerta de Alcalá, ambas en Madrid.

                                                  FUENTE CIBELES
 Álvarez esculpió la Fuente de Apolo o de las Cuatro Estaciones y Juan Pascual de Mena , un precusor de las nuevas tendencias, la Fuente de Neptuno, ambas en el Paseo del Prado de Madrid.

                                FUENTE DE APOLO O DE LAS CUATRO ESTACIONES

                                                 FUENTE DE NEPTUNO
Pero la imaginería no desapareció y los escultores, aprovechando las enseñanzas de la Academia, llegaron a hacer una escultura policromada de gran calidad. Un ejemplo es José Esteve , formado en la Academia de San Carlos de Valencia, que es autor de bellísimas imágenes como la Inmaculada de la catedral de Valencia. Con Esteve colaboró José Ginés  en la elaboración del Belén del Príncipe (Palacio Real Y Academia de San Fernando), un género aún habitual.

                                    INMACULADA DE LA CATEDRAL DE VALENCIA

Con Juan Adán , que se formó en la Academia de Zaragoza y estuvo pensionado en Roma, se produce el paso definitivo al Neoclasicismo. Nombrado  escultor de cámara, realiza los retratos de Carlos IV y María Luisa de Parma (, Palacio Real), los cuales tienen la ampulosidad de los retratos de aparato pero con la severidad en los rostros de la estatuaria romana. Suya es la Venus de la Alameda de Osuna, una interpretación realmente fiel de los modelos romanos.

El cordobés José Álvarez Cubero  es un ejemplo del neoclasicismo español que, aunque había recibido una educación inicial en el barroco, luego compite en Roma por la clientela con Canova. Fue escultor de cámara de Fernando VII y su célebre grupo La defensa de Zaragoza es muy representativo de este neoclasicismo hispano que debe tanto a la estatuaria clásica como a la lección de Canova.

En Cataluña, las enseñanzas del clasicismo de la escuela de la Lonja de Barcelona, se manifiestan en el escultor Damián Campeny , cuya Lucrecia muerta ( Lonja de Barcelona) tiene toda la serenidad de la escultura clásica pero algunos atisbos de melancolía romántica. La escultura neoclásica tuvo un largo epílogo en la obra de Antonio Solá , autor de Venus y Cupido ( Museo de Arte de Cataluña) y de Daoiz y Velarde  Madrid, Plaza del 2 de Mayo), con un uso convencional del clasicismo para retratar a los héroes románticos.

Pintura

Los monarcas Felipe V y Fernando VI habían llamado a pintores franceses e italianos, como Louis Michel van Loo, S. Amiconi y C. Giaquinto, que iniciaron la decoración del Palacio nuevo. Más tarde Giambattista Tiépolo, el gran fresquista veneciano, adornó tres de las bóvedas de la real morada con su pintura decorativa y colorista. Pero la regeneración de la pintura española se produjo con la venida a España en 1761, llamado por Carlos III, del artista bohemio Anton Rafael Mengs. Su llegada trastocó el orden hasta entonces existente porque sus orientaciones fueron seguidas fielmente por el Rey, que le concedió todos los honores imaginables, por lo que ejerció desde la Academia, como pintor y como teórico, una auténtica dictadura artística que influyó en la formación de los pintores españoles. Mengs realizó decoraciones para algunas de las bóvedas del Palacio, predominando en todas ellas un dibujo preciso y una falta de expresividad; en El triunfo de la Aurora o La Apoteosis de Adriano.

 la calculada simplicidad de composición recuerda El Parnaso que pintó en la villa Albani de Roma. Colaboró con él en el Palacio Real Mariano Salvador Maella , que también hizo decoraciones para los palacios de Aranjuez, El Pardo y El Escorial; su estilo distante y su colorido algo estridente no le impidieron hacer espléndidos retratos como el de Carlos III  con colores fríos y barnices acharolados.

Muchos pintores trabajaron como cartonistas para la Fábrica de Tapices que Mengs dirigía, como los hermanos Bayeu (Bayeu y Subias, Francisco y Bayeu y Subias, Ramón), José del Castillo o Francisco de Goya. Para los tapices Mengs prefirió los temas costumbristas o de cacería, muchas veces relacionados con la pintura holandesa, y alentó un costumbrismo de raíz castiza con escenas de género. José del Castillo destacó con sus primorosas escenas de caza, como las que adornan la pieza del Príncipe en el palacio de El Escorial. Los Bayeu cultivaron el fresco, sobre todo Francisco , que colaboró en la decoración de la basílica del Pilar de Zaragoza y en el oratorio del Real Palacio de Aranjuez ; Ramón, menos brillante, se especializó en los cartones para tapices que resolvió con una técnica suelta y precisa. También trabajó en la Fábrica de Tapices Francisco de Goya , yerno de Francisco Bayeu, pero su obra, por su amplitud y su variedad, desborda los estrechos límites del Neoclasicismo y merece un estudio más amplio.

Después de la Guerra de la Independencia emergen otros pintores más jóvenes que siguen el neoclasicismo ortodoxo, para luego pasar hacia estilos más eclécticos. Entre ellos destacan José Antonio Aparicio, José de Madrazo  y Juan Antonio de Ribera , que aprendieron en Roma el estilo internacional y miraron con admiración a David, pero que luego evolucionaron y ocuparon un puesto importante en el arte español.
 

 Sus obras muestran el perfecto conocimiento del mundo clásico, el equilibrio entre color y dibujo en sus composiciones, pero también una capacidad para adaptarse al arte burgués que impondrá el romanticismo. 

https://media.rtp.pt/extra/estreias/estreia-goya-segunda-dia-30-janeiro-na-rtp2/
https://www.abc.es/historia/abci-misterioso-incendio-destruyo-alcazar-madrid-y-cientos-cuadros-nochebuena-1734-201612241356_noticia.html
http://www.espanolsinfronteras.com/EAH07-EdadModernayelNeoclasicismo.htm
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LA CULTURA SUMERIA Y MESOPOTAMIA

"Kaunakes" es el término con el que habitualmente los habitantes de la zona denominaban al ganado lanar y, en un determinado momento se convirtió también en el apelativo utilizado para designar el atuendo masculino sumerio de tipo ritual ; vinculado su confección con las pieles y la lana procedentes de estos animales.

El estudio de las civilizaciones primarias ha llevado a los expertos a plantear la existencia de seis culturas básicas; es decir unas zonas geográficas en las que fueron surgiendo innovaciones tecnológicas y sociales inicialmente independientes que consiguieron consolidarse y formar la base cultural del resto de culturas posteriores.

Dos de ellas las sitúan en el Oriente Próximo: Mesopotamia y Egipto. Más al este, ya en el continente asiático, encontramos otras dos: el valle del Indo y China y por último las dos situadas en el continente americano: Mesoamerica y la zona andina.

El sustrato cultural básico para el desarrollo de las culturas europeas occidentales lo tenemos en las antiguas civilizaciones que se conformaron en Oriente Próximo; y al igual que en períodos anteriores la zona levantina del continente asiático será el corredor que facilitará las relaciones interculturales, que se irán incrementando, a medida que las diferentes culturas se desarrollen e inicien, a su vez, su propia expansión.

La zona, dotada de un medio geográfico muy favorable, facilitará la temprana llegada de la revolución neolítica; Mesopotamia, región entre ríos, será el sitio ideal para el inicio de la domesticación de las plantas; lo que, en breve, permitirá su cultivo con fines alimenticios y productivos. Surtiendo a la población de los productos que se convertirán en la fuente directa de las fibras vegetales necesarias para la confección de la indumentaria. Estas mismas producciones favorecieron igualmente un creciente aumento de la población, haciendo necesaria su organización; que condujo a la creación de las ciudades estado.

Los estudiosos del tema indican que la indumentaria no fue una necesidad climática; ya que la zona dotada de un clima cálido permitiría a sus habitantes vivir sin ropajes que cubrieran su cuerpo; al parecer cuestiones relacionadas con la reproducción de la especie, como indicar la entrada de la edad fértil o cuestiones rituales ya estuvieran éstas relacionadas con actividades religiosas o políticas.

Hablar de Mesopotamia es hablar, en realidad, de una agrupación de pueblos y culturas, que amalgamadas en la zona se fueron sucediendo unas a otras, en función de su mayor poderío político y/o cultural.

La primera cultura mesopotámica significativa es la sumeria, siendo Uruk y Ur dos de sus más famosas ciudades. La creencia de este pueblo de que sus dioses habitaban en lugares altos les  llevó a construir templos que cumplieran esa condición; consiguieron entrar en la Historia a través de la invención de la escritura primero pictográfica y después cuneiforme, en la que nos legaron el Poema de Gilgamesh considerado la leyenda más antigua del mundo.

Respecto al tema que nos interesa empezaremos por mencionar las fibras vegetales que se producen en la zona que son susceptibles de ser empleadas en la confección de las diversas indumentarias de sus habitantes. En  primer lugar hablaremos de la que puede considerarse de más amplio espectro, ya que su existencia en estado silvestre abarca casi todo el planeta: el lino; el Linum usitatissimum, o lino doméstico procede posiblemente del Linum bienne, que al parecer crecía perenne y salvaje en las zonas costeras mediterráneas y atlánticas, obteniéndose como especie invernal, sólo una cosecha anual, en las proximidades de Irán, Irak y el Kurdistan; lo que está probado por las muestras arqueológicas existentes datadas hacia el 5550 a. C.; se trata de una planta leñosa, que inicialmente debió de cultivarse para la obtención de aceite, que pronto se convertiría también en elemento básico para la creación de tejidos. El cáñamo es una planta procedente de climas más fríos, por lo que era habitual en el norte, su textura la hace más apropiada para un uso más comercial, transportes tanto en tierra como en el mar ya que se mantiene inalterable en ambientes salobres. El algodón procede del valle del Indo, y llegará a la zona en épocas posteriores.

Las fibras animales son también frecuentes en la zona, la introducción de ganado lanar en Mesopotamia se produce, al parecer, alrededor del año 4000 a. C.,su cobijo inicial eran los Zagros, en la cordillera del Taurus, donde la presencia de precipitaciones favorecía la existencia de los pastos necesarios para su alimentación; desde allí fueron adentrándose en otras regiones de la zona siendo necesario un proceso de domesticación para que su piel, inicialmente parecida a la los cérvidos, llegara a producir lana en cantidad suficiente para que su tratamiento permitiera la confección de telas.

Elizabeth W. Barber,observó que no todos los aprovechamientos de sus productos facilitan la lana; la obtención de su carne conlleva una vida corta para el animal; sin embargo la producción de leche exige una cierta longevidad y, de manera indirecta, favorece el crecimiento de lana. El tejido resultante del tratamiento de la lana tiene algunas características distintas al de las fibras vegetales, por ejemplo su fácil teñido, lo que permite dar una mayor variedad y colorido a las producciones textiles. Antes del 4000 a. de C. en la zona sólo se utilizaban prendas de origen vegetal.

El paso del tiempo y las condiciones de conservación han sido básicas para que las piezas textiles hayan llegado o no hasta nosotros, a veces lo que nos ha permitido constatar su existencia no es el tejido en sí mismo sino su huella marcada sobre un material más duradero como, por ejemplo, las bolas de arcilla halladas en el yacimiento arqueológico próximo al poblado neolítico de Jarmo, al nordeste de Irán, que muestran unas claras impresiones textiles y que han sido datadas hacia el año 7000 a. C.; la perfección de las huellas del tejido en la arcilla han permitido, a los expertos, determinar la existencia de una cierta práctica en la confección de tejidos, ya que sin ella no hubiera sido posible su realización. En el yacimiento de Cayönü, próximo a Turquía, fue hallada una pieza de tejido datada también en las mismas fechas y en Nahal, en las cercanías de Israel, se encontró una bolsa de lino cosida en forma de malla, con botones de piedra, de uso quizás ceremonial, datada hacia el 6500 a. C.

SUMERIO INCRUSTACION 2500 A.C.

El origen del pueblo sumerio es incierto, las representaciones artísticas han puesto de manifiesto sus rasgos físicos entre los que destacan como más significativos;nariz puntiaguda,vivos ojos, sus cara y su cráneo completamente rapados que sin duda los diferencian de los semitas, habitantes también del Creciente Fértil o de sus proximidades desde épocas tempranas, que eran altos, membrudos, de nariz curvada, barbudos y con largos cabellos, por los que se les denominaba los cabezas negras. Inicialmente, mientras los semitas seguían seminómadas apacentando sus rebaños en zonas al norte de Mesopotamia, los sumerios, por el contrario, se fueron asentando más al sur, próximos ya al golfo Pérsico creando las primeras ciudades estado y evolucionando rápidamente hacia un nivel cultural superior.

Los expertos, han dividido la historia de Mesopotamia en varios períodos, separados entre sí por grandes convulsiones que marcan los cambios políticos, económicos, sociales y culturales en la zona; de forma más o menos convencional están de acuerdo en la cronología, pese a existir matices según los autores. El primer período histórico se iniciaría con las dinastías sumerias arcaicas y es conocido como Período Dinástico Arcaico (DA) apelativo derivado término inglés Early Dynastic, a su vez se encuentra divido en tres partes DA-I  (2900-2750), DA-II (2750-2600) y DA-III (2600-2334) que a su vez se subdivide en III A (2600-2500) y III B (2500-2334), las ciudades mas importantes de esta cultura serían Sippar, Marad, Isin, Nippur, Umma, Girsu, Nina, Larsa, Ur, Uruk, Lagash, Kish, Eridu, etc.; otras ciudades irían desarrollándose poco a poco más al norte, como Mari en el Éufrates medio o Asur sobre el Tigris.

Las imágenes conservadas son, en cierto modo, sectarias, ya que naturalmente las figuras que se representan están relacionadas con el ejercicio del poder político, religioso, o militar, existiendo, por tanto imágenes de sus gobernantes y de las clases sociales altas, castas sacerdotales, así como de sus ejércitos en sus conquistas y acciones bélicas.

Naturalmente no se sabe hasta qué punto las imágenes que poseemos conforman el corpus completo de la indumentaria de estos pueblos o, si por el contrario, existen variantes. En cualquier caso, ciñéndonos a las muestras existentes podemos indicar que inicialmente los sumerios utilizaron la fibra vegetal en su indumentaria y posteriormente añadieron la fibra animal, una vez que la evolución de los bóvidos permitió la obtención de una producción lanar y su posterior tratamiento para su uso textil; aunque, a partir de un momento dado, lo natural es que ambos métodos coexistieran.

RELIEVE SUMERIO MUJER Y SERPIENTES I DINASTIA

Los dos relieves sumerios, conservados en el Instituto Oriental de la Universidad de Chicago, que representan cada uno de ellos a una especie de sacerdotisa en el acto de dominar serpientes o búfalos, según el caso, están cubiertas únicamente por una especie de falda en las que se aprecian un entramado romboidal que bien podemos asimilar con la trama de un tejido.

SACERDOTISA BISONTES

FIGURAS PRIMERAS DINASTIAS AÑO 3000 A.C.

Las indumentarias de los dignatarios, guerreros o patriarcas sumerios que aparecen en los relieves conservados en el Ashmolean Museum de Oxford, procedentes del yacimiento de la ciudad de Kish, ponen de manifiesto que el atuendo masculino podía reducirse también a una simple falda; sujeta a la cintura con una especie de cordel, tal como sucede en el primero de los ejemplos; las figuras sedentes del ejemplo siguiente permiten intuir, quizás, el uso como única vestimenta también de una simple falda destacando en ella la serie de pliegues situados en la zona inferior a modo de flecos. 

Lo mismo sucede con la plaqueta que representa al hijo de Ur-Nanshe  de nombre Akurgal que se conserva en el Museo del Louvre.

O con el relieve que representa unos músicos durante la época de las Dinastías Arcaicas.

                                                                           Ajuares tumbas reales de Ur
                                                                                Metropolitan Museum
                                                                Periodo dinástico arcaico, hacia el 2600-2500 a.C.

Los hombres solían llevar como complementos pendientes en forma de anillo, mientras que en las mujeres solían tener forma de media luna, pudiendo observar en ambos casos que éstos solían llevarse indistintamente tanto en la nariz como en las orejas; también era común observar otro tipo de joyas como collares, pulseras o amuletos, siendo éstos de lapislázuli, coralina, pasta de vidrio, oro, concha, plata, jaspe, cristal de roca, piedra caliza o ágata, de todas las formas y colores y pudiendo ver incrustados en éstos piedras de la mas diversa índole para incrementar su valor y espectacularidad.

Posteriormente, una vez evolucionado el sistema de tejido, llegó a confeccionarse un tipo de tela que conservó la misma denominación ya que imitaba la piel lanosa de las ovejas; distribuyendo, incluso, vellones a lo largo de la tela; logrando un efecto de volantes superpuestos; la tradición continuó y alcanzo épocas posteriores llegando a convertirse en un símbolo, sobre todo en el mundo cristiano; siendo en ocasiones utilizado por los artistas en la realización de imágenes religiosas;el mejor ejemplo de este uso lo tenemos en los ropajes con los que suele cubrirse a San Juan Bautista.

En el caso de la Estela de Ur-Nina rey de Sirupula, fechada hacia el año 2900 a. C. en la que el rey aparece representado llevando sobre la cabeza una especie de esportilla repleta de materiales destinados a la construcción de un templo; o en la escena de más abajo en la que realiza libaciones rodeado de otros personajes, al parecer sus hijos, que aparecen con faldas lisas decoradas con leyendas epigráficas y/o cuneiformes.

La Estela de los buitres, fechada hacia 2450 a. C, representa a Enatum, también rey de Sirpula, al que vemos al frente de una falange de guerreros vestido con el típico kaunakes; sus guerreros parapetados tras sus escudos irían vestidos a la ligera, aunque su vestimenta quizás fuera menos exigua que la de los famosos hoplitas griegos, posiblemente una simple falda, para facilitar sus movimientos en la batalla; sobre su cabeza distinguimos un típico gorro sumerio, de esa forma tan característica con el que cubrían su desnuda cabeza.

El mejor ejemplo de este tipo de gorros es la peluca-casco del príncipe Mes-Kalam-Sar hallada en los yacimientos de Ur y conservada en el Museo del Louvre; ejecutada en oro labrado imitando los mechones del cabello que el rey se habría rapado y dejando al descubierto, únicamente, su pabellón auditivo; tal y como lo vemos colocado sobre una escultura de la época.

Existe además un tercer modelo; frecuente también en la imaginería sumeria, considerada la vestimenta básica, que consiste en un rectángulo de tela con flecos, posiblemente de  lana, que se colocaba alrededor del torso a modo de modo de falda de alto talle, colocando después uno de los extremos de la pieza cubriendo el hombro izquierdo y dejando al descubierto el derecho; esta especie de túnica drapeada sumeria continuará evolucionando a lo largo del tiempo a través de las diferentes culturas que se desarrollaron en la zona, ganando en colorido, variedad y riqueza, modelo que también puede aparecer como tipo kaunakes. Los telares con que se realizaban los tejidos también fueron evolucionando mejorando las técnicas y consumiendo cada vez mejores y más variados diseños, en los que mezclaban hilos de diferentes procedencias; inicialmente: lino, pelo de cabra o lana; añadiendo después algodón y seda.

Las imágenes de mujeres sumerias conservadas permiten comprobar que su vestimenta no difería demasiado de las de sus congéneres de sexo opuesto, y con frecuencia las vemos como diosas o sacerdotisas, o simplemente como mujeres asociadas al culto religioso de algún dios de la triada mesopotámica; en actitudes de adoración, orantes, sedentes, etc.; sus atuendo son modelos muy similares a los masculinos, realizados con fibra animales, a veces con el modelo evolucionado a modo de volantes.

Una de las cuestiones más significativas, en el caso de la mujer sumeria, será el uso de diferentes tocados o pelucas; cuestión que los expertos han vinculado también a su calvicie; estas pelucas sustituirían a su cabello natural, que habría sido rapado: Unos cabellos ficticios sujetos mediante una diadema o una cinta a modo de anillo que sujetaban unos ondulados o rizados cabellos. El cortarse la cabellera era propio de las profesas para entrar en religión como idea de sacrificio personal, además de los efectos profilácticos que esto tenía en la Antigüedad.

Algunos mencionan la posibilidad de que el rapado del cabello fuera una sustitución a un holocausto, o como donativo de otros servicios que les resultaran más enojosos. Algunos escritores de la Antigüedad hablaban de este tema, Luciano, por ejemplo indica en su obra De Dea Syria que las mujeres de la zona, llevaban a la Diosa Madre sus cabellos como ofertorio del holocausto; evitando así la necesidad de prostituirse en el templo al ofrecer a la Diosa su virginidad. Por ello después debían cubrir su calvicie con estos tocados y/o pelucas rituales realizadas en piedra caliza.

La influencia de la cultura sumeria, en este período arcaico, se extendía sobre todo a lo largo del Éufrates llegando hasta la Alta Mesopotamia; de Kish a Mari e incluso hasta Ebla, se trata de un control del territorio en forma de mancha de aceite, perceptible sobre todo en el arte, la escritura y la literatura; esta difusión afectaba con mayor profusión a algunas las clases sociales; como la de los escribas, los artistas, los sabios y los mercaderes o comerciantes, que poseían una mayor capacidad de absorción.

Los soberanos sumerios durante estos cuatro primeros siglos de dominio guerrearon entre sí para obtener el control político; y también con otros pueblos básicamente para extender su territorio; sobre todo en la zona sur teniendo como objetivo fundamental obtener una salida al mar por el golfo Pérsico; y también para rechazar ataques e incursiones de otros pueblos vecinos que intentaban dominarlos a ellos. En torno al último tercio del siglo XXIV a. C. el poderío sumerio decaerá debido al ascenso del poder acadio, que con Sargón al frente conseguirá dominar Summer; los acadios acabarán por dominarán Ebla, el norte de Siria y el Elam, lanzando expediciones incluso hasta Omán; creando un verdadero imperio; por primera vez el norte y el sur mesopotámico serán una sola nación que se extenderá desde el Tauro hasta las montañas del Fars y desde los Zagros al Mediterráneo; el nieto de Sargón Narâm-Sîn se convertirá en el rey de las cuatro regiones: el norte, el sur, el poniente y el levante.

https://www.arteespana.com/artesumerio.htm
https://www.artehistoria.com/es/contexto/el-arte-sumerio-acadio
https://alenarterevista.wordpress.com/2010/03/07/la-moda-y-el-arte-mesopotamia-los-sumerios-por-virginia-segui
https://sumerios.info/arte-sumerio-2/