miércoles, 29 de marzo de 2017

LEONOR DE AQUITANIA



Entorno a Leonor de Aquitania existe una leyenda negra alimentada por el paso de los siglos y la multitud de elucubraciones que se han hecho en relación a su comportamiento, su aspecto físico, su espléndida preparación cultural, su amor por el mundo trovadoresco y su increíble fortaleza, pues vivió ochenta años en un mundo en el que la esperanza de vida era mucho menor. Una trascendencia nada habitual para una mujer de la época.
Esta visión tan negativa de la duquesa de Aquitania comienza con los testimonios que recogen los monjes y los clérigos de la época, quienes se encargaron, tal vez bajo una mirada de desconfianza hacia la mujer, de mostrar a una Leonor que, lejos de llevar una vida tranquila, transgrede las normas habituales. Además, y como muestra inequívoca...la describen como una mujer muy bella y por ello sospechosa de cualquier acción contra los hombres...


En épocas posteriores, los documentos que éstos últimos dejaron fueron interpretados por historiadores, quienes adoptan diferentes posturas entorno a la figura de Leonor. Los franceses reprocharán a Leonor haber roto, con su conducta y su divorcio, la unidad francesa . Otros, por el contrario, describen a Leonor como una reina avariciosa, egoísta, elucubradora y sedienta de poder. Un tercer grupo de historiadores considera a Leonor de Aquitania como una de las primeras feministas de la Historia. Hay por tanto, interpretaciones para todos los gustos.
Independientemente de estas ideas, y como dijo Jean Flori, el mejor biógrafo de Leonor de Aquitania, no es posible separar a Leonor de su leyenda porque tan sólo la conocemos a través de ésta . 
Por último, cabe recordar que Leonor fue dos veces reina y madre de tres reyes. Intentó vivir la vida que ella quería. Así nace la historia sobre Leonor de Aquitania, una mujer entre el mito y el símbolo.
En la Francia del siglo XII esta mujer, Leonor de Aquitania, heredó el mayor feudo del reino. En un mundo gobernado por hombres, su fuerte personalidad y su educación le permitieron no sólo gobernar el ducado que heredó sino también ser reina de Francia y de Inglaterra.



El origen del ducado de Aquitania es bastante confuso, aunque se puede situar en el siglo VII siguiendo el territorio de la provincia romana de Galia Aquitania, conquistado por Craso cuando aún era lugarteniente de Julio César.
Tras la centralización de poder por parte de Carlomagno, la corona de Aquitania (que durante los primeros siglos fue ora ducado, ora reino) recayó en Carlos el Calvo, junto al resto de Francia Occidental.
Pero eso no era del agrado de los nobles aquitanos que, aprovechando la pérdida del poder real, ofrecieron la corona de Aquitania a Luis el Germánico, rey de Francia Oriental y hermano de Carlos el Calvo. Tal era el descontento de los aquitanos con Carlos II que amenazaron con entregar la corona a los vikingos (asentados en Normandía) o a los sarracenos de al-Ándalus.
Para evitar el mal mayor (que buena parte de su reino acabara en manos de los sarracenos, los vikigos o, peor aún, de su hermano), Carlos terminó entregando finalmente la corona de Aquitania a Ranulfo I de Poitiers; y su gobierno quedó así bajo los condes de Poitou durante todo el siglo siguiente.
En fin, ya sabemos como eran las cosas en la Europa de la época, así que narrar todas las intrigas, sucesiones y cambios de corona sería tedioso tanto para mí como para ustedes. Así que, con su permiso,finalizo este tema diciendo que el ducado de Aquitania y el condado de Poitou quedaron unidos entre ellos y al ducado de Vasconia, con lo que la corte de Poitiers fue adquiriendo cada vez mayor importancia.
Y así, más o menos, estaba la situación a comienzos del siglo XII, con un Reino de Francia fuertemente feudalizado con la mitad o más de su territorio fuera del poder efectivo del rey, y la corona de Aquitania siendo la más fuerte de los feudos, con un poder prácticamente equiparable al real.
En 1122 nació Leonor en la corte de Poitiers, primogénita del futuro duque de Aquitania, Guillermo X. Digo futuro porque, al momento de nacer Leonor, el duque de Aquitania y conde de Poitiers era su abuelo Guillermo IX, el Trovador.
Que el sobrenombre de el Trovador no les engañe. Guillermo IX era un gobernante fuerte, que sostuvo varias guerras con el vecino condado de Tolosa, que llegó a conquistar, gobernando unos territorios más extensos que los del propio rey de Francia, Luis VI el Gordo,que fué excomulgado dos veces,una de ellas por repudiar a su esposa por la de uno de sus vasallos, el vizconde de Châtellerault. 
Ésa fue la corte en la que Leonor nació y se crió. Su padre, el futuro Guillermo X, no le dio la educación típica de una dama de la nobleza. Sí, aprendió costura y bordado, pero también aritmética, historia, latín… Cabalgaba y cazaba, algo reservado a los varones. Leonor era una muchacha inteligente y despierta, y recibió la educación necesaria para ser una reina capaz.
A pesar de ser primogénita, el hecho de tener un hermano varón hacía que no fuera la heredera de Guillermo X, sino que su destino era ser consorte. Sin embargo la muerte de su hermano en una peregrinación a Santiago de Compostela la convirtió en la heredera del ducado de Aquitania.
1137. En ese año Leonor cumplió quince años. También fue el año de la muerte de su padre, y tomó posesión de la corona del inmenso ducado de Aquitania. Se convertía en la persona más poderosa de Francia Occidental tras el propio rey Luis VI el Gordo. No fue el único cambio en la vida de Leonor de Aquitania aquel año.

Pueden hacerse una idea de lo que significaba todo ese poder en manos de una jovencita de quince años, por muy despierta que fuera y aún habiendo recibido una buena educación. En una época en que la política se hacía a base de intrigas, matrimonios, traiciones y asesinatos, el poder del ducado de Aquitania en manos de la joven Leonor era una gran potestad en unas jovenes manos.
Luis VI nada más morir Guillermo X arregló el matrimonio entre Leonor y su hijo y heredero, el futuro Luis VII. Luis VI había pasado todo su reinado combatiendo el poder de los nobles feudales, y la unión de las coronas de Francia Occidental y Aquitania reforzaría el poder de los Capetos.
Ese mismo año Luis VI murió,por lo que Leonor pasa de joven heredera a duquesa de Aquitania, esposa del futuro rey y reina consorte de Francia, todo en un mismo año.
Leonor resultó no ser la consorte sumisa que Luis VI había previsto para su hijo. Al contrario, su fuerte personalidad y su sólida formación, unidas al carácter piadoso e ingenuo del nuevo rey, hicieron que su papel en la corte fuera muy destacado.

El día de Nochebuena de 1144 caía bajo poder musulmán el condado de Edesa, uno de los estados cruzados creados en durante la Primera Cruzada. Fue uno de los primeros en ser creados en Tierra Santa, como también fue el primero en caer.
Y su caída provocó una reacción inmediata en Europa: el papa Eugenio III convocó la Segunda Cruzada para reconquistarlo, y numerosos reyes y nobles europeos respondieron de forma inmediata. Entre ellos Luis VII de Francia. Y no fue el único.
Leonor, acompañada de trescientas de sus damas y al frente de la tropas del ducado de Aquitania, se unió al ejército cruzado. Imagina lo que eso significaba en la mentalidad de la época. A Luis VII no le gustó la idea, pero ella, como duquesa de Aquitania y por tanto la mayor feudataria del reino, hizo valer su derecho de ocupar su lugar junto al resto de señores feudales.
La cruzada no sólo no tuvo buen resultado, sino que hizo que las tensiones entre la pareja se agravaran, hasta el punto de que a su regreso (por separado) solicitaron al papa la anulación de su matrimonio, basándose en el parentesco entre ambos,el cual lograron...
En este momento la situación vuelve a ser similar a la de quince años antes: Leonor estaba al frente del mayor y más poderoso territorio feudal de Francia, lo que la convertía en la heredera más deseada en una Europa gobernada por hombres. Sin embargo ahora ya no era una niña de quince años, sino una experimentada mujer que sabía muy bien cómo funcionaban la política y el poder feudal de la época.

Ese mismo año Leonor se casó con el heredero al trono de Inglaterra, quien dos años después se convertiría en Enrique II,con lo que llega a dominar, Inglaterra, Gales, Normandía, Anjou, Maine y Aquitania. Se creaba así el gran Imperio angevino, vasallos del rey de Francia pero controlando un territorio ocho veces superior al suyo.
Cinco hijos varones y tres mujeres tuvo el matrimonio, con una corte establecida principalmente (aunque no de forma permanente) en Poitiers. Tres de sus hijos serían reyes: Ricardo I Corazón de León, Juan I sin Tierra, ambos reyes de Inglaterra, y Leonor Plantagenet, reina consorte de Castilla por su matrimonio con Alfonso VIII.
Enrique II tenía una personalidad fuerte, como la de la propia Leonor, y ambos estaban acostumbrados a mandar, así que los choques entre ambos acabaron surgiendo. Leonor no estaba dispuesta a asumir el rol de esposa sumisa que se esperaba de ella.


El golpe definitivo a la relación vino de las continuas amantes de Enrique II. O, mejor dicho, de una de ellas, Rosamund Clifford, la bella Rosamunda.
Enrique II y Rosamund Clifford se conocieron durante una campaña del rey en Gales, en 1165 (ella tenía quince años entonces), y fueron amantes hasta su muerte (la de ella), en 1176. Once años.
Claro que hubo otras, pero la diferencia es que la relación del rey con la bella Rosamunda llegó al conocimiento público, y el orgullo de Leonor no pudo soportar semejante afrenta.
Así que, despechada, regresó a Aquitania llevándose a varios de sus hijos, entre ellos a Ricardo, futuro rey de Inglaterra. Y él, junto a sus hermanos Enrique y Godofredo, se rebelaron contra su padre.
Aunque la razón oficial fue el reparto de títulos que Enrique II estaba realizando entre sus hijos, pero manteniendo el poder asociado a esos títulos, la realidad es que Leonor instigó la rebelión, por cierto apoyada con regocijo por Luis VII de Francia, deseoso de ver reducido el poder de su vasallo.
Todo esto le costó la libertad a Leonor, apresada por Enrique II tras aplastar la rebelión. Dieciséis años permaneció presa, primero en el castillo de Chinon y después en el de Salisbury, hasta la muerte del rey.

Tras la muerte de Enrique II, el trono pasó a manos de su hijo Ricardo I, y durante sus ausencias (la ocupación de Sicilia, la Tercera Cruzada) Leonor fue la regente del Imperio angevino.
Tras el regreso de Ricardo de su cautiverio en el castillo de Dürnstein se retiró a la abadía de Fontevrault, de donde sólo salió dos veces: la primera para asistir a la coronación de su hijo Juan tras la muerte de Ricardo, y la segunda para viajar a Castilla, cuando ya era una anciana de setenta y ocho años, para elegir de entre sus nietas a la que habría de ser esposa de Felipe II de Francia.
Y allí, en aquella misma abadía, murió en 1204 a la edad de ochenta y dos años. ¡82 años en los siglos XII-XIII! Todo un logro.
Allí mismo fue enterrada la mujer más poderosa de su época y posiblemente de la Europa medieval, junto a su amado hijo Ricardo y a su no tan amado esposo Enrique.

http://bi.gazeta.pl/im/d5/2e/10/z16966357Q,Eleonora-na-XIV-wiecznej-miniaturze-i.jpg
http://www.arteguias.com/biografia/leonordeaquitania.htm
https://www.apuntesdehistoria.net/leonor-de-aquitania/#El_ducado_de_Aquitania 
https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e1/John_William_Waterhouse_-_Fair_Rosamund.jpg/280px-John_William_Waterhouse_-_Fair_Rosamund.jpg 




sábado, 25 de marzo de 2017

LA BODA EN LA BAJA EDAD MEDIA Y EL RENACIMIENTO


La novia llevaba un vestido lujoso: brial o saya y encima otra prenda que dejara ver la de debajo, y por último un manto. El cabello se llevaba con algún tocado de moda pero suelto como signo de virginidad o bien suelto con una tira o una guirnalda. 
El novio tampoco se quedaba atrás a la hora de engalanarse, irían a la moda imperante en su época (cota, jaqueta, sayo, ropón) y encima manto o paletoque (en las representaciones que aquí pongo casi todos son desposorios de la Virgen y San José, por lo que a él aparece o con saya o con cota si es en la primera mitad del siglo XV o con ropón sobre sayo si es después.) Podía ir tocado o destocado.
Entre la clase noble el color más habitual era el rojo, signo de fecundidad y el verde, símbolo de juventud. También se usaba el azul y el amarillo.


Desposorios de la Virgen Pedro Berruguete siglo XV

La boda se dividía en dos partes: 

1. Desposorio: acto solemne, e indispensable, en el que el padre y el novio conciertan el matrimonio y la dote. Se celebraba tiempo antes de la boda propiamente dicha.

2. Boda propiamente dicha: entrega de la novia y velación. Desde el siglo XII se "exigió"  la presencia de un sacerdote. Esta ceremonia constaba de dos partes:

1400. Desposorios de la Virgen, Retablo de San Jorge, Convento de San Francisco,     Villafranca del Penedés (detalle) 
a) en la puerta de la iglesia donde tenía lugar el contrato matrimonial: el que el sacerdote pregunta a los presentes si conocían algún impedimento para celebrar dicha unión y en caso negativo entonces se  entregaba las donaciones mutuas, todo ante la presencia de varios testigos.
b) en el interior de templo (opcional): juramento de fidelidad (no era necesario la presencia de un sacerdote, valía un notario o varios testigos) y el acto religioso propiamente dicho (misa) que otorgaba la bendición nupcial y que ya realizaba un sacerdote (no era necesario pero que la gente de la burguesía y de altos estamentos realizaban). Después del Concilio de Trento se obligó a que hubiera un sacerdote y bendición.
Todo el rito también se podía realizar en las casas particulares.

Los esponsales, principios del siglo S.XVI, Escuela castellana

Podía haber entrega de anillo frente a la misma puerta, el cual tenía lugar con la entrega de arras (sería parte de la donación de bienes o dinero del esposo a la esposa, siendo de origen germánico, aunque luego el Derecho romano lo impone), pero también se podía entregar después, en la casa del padre de la novia.  Era el hombre quien ponía el anillo a la mujer. Ya en la Edad Moderna la entrega de anillos será mutua (y tras popularizarse en Italia frente a la puerta de la iglesia, hacia 1473).
El beso (osculum) era tradición romana y tenía valor jurídico. Tendría lugar el día del desposorio y reforzaba el derecho de la novia a las donaciones: si no había beso y moría el esposo las arras eran para los parientes de él. Con beso y muere el esposo, la novia se quedaba la mitad de los bienes concertados por el futuro esposo. Si era ella la que moría, haya o no beso, el esposo debe dar todo a los herederos de su futura mujer.
La iconografía de la época bajomedieval presenta a los contrayentes tomándose de la mano, la derecha, como símbolo de unión (se piensa que es un rito etrusco, pero que también realizaron romanos, griegos y judíos). Tras unas palabras que manifestaban su intención de contraer matrimonio y promesas las manos se juntaban para sellar el compromiso.

160-170. Sarcófago romano, Museo del Palacio Ducal de Mantua Ducal 

Finales del S. XIII. Desposorios de la Virgen, San Pedro el Viejo, Huesca 

Desposorio de la Virgen. Principios del XVI. Escuela castellana

La bendición nupcial se conoce como velación: los contrayentes eran cubiertos con un yugo o banda (tela estrecha blanca). A ella se le colocaba sobre la cabeza y a él sobre los hombros (no fue obligatorio hasta el Concilio de Trento). Simboliza la protección de Dios sobre la vida en común de la futura pareja, siendo además ley divina. 
En otro se puede ver como el sacerdote coloca una ¿estola o manípulo? sobre ambas manos (algo que ya se observa en la iconografía italiana del siglo XV) 

 1524. Los esponsales de la Virgen, atribuido a Juan de Vallejo, Capilla de la Presentación de Nuestra Señora, Catedral de Burgos (detalle)



finales del siglo XVI. Boda de hidalgo en Santurce, Francisco Vázquez de Medieta, Diputación de Guipúzcoa (detalle) 


Las bodas en la Baja Edad Media y durante el Renacimiento, en cualquier estamento social, fueron motivo para comer, beber y danzar a lo grande. Eran acontecimientos casi multitudinarios, pero de esto ya hablaremos en otro momento.

Bibliografía:

  • Arriba Cantero,  Sandra de: San José.  Universidad de Valladolid  dearriba@arte.uva.es
  • Castrillo Casado, Janire: Mujeres y matrimonio en las tres provincias vascas durante la Baja Edad Media* (Women and marriage in the three basque provinces during the Late Middle Ages)Univ. del País Vasco (UPV-EHU). Fac. de Letras. Dpto. Historia Medieval, Moderna y de América. Pº de la Universidad, 5. 01006 Vitoria-Gasteiz ianirec@yahoo.es
  • Navarro Gavilán, Blanca: LA SOCIEDAD MEDIA E INFERIOR EN CÓRDOBA DURANTE EL SIGLO XV. FAMILIA Y VIDA COTIDIANA. Departamento de Ciencias de la Antigüedad y de la Edad Media, FACULTAD DE FILOSOFÍA Y LETRAS.
  • Marcos Casqueros, Manuel-Antonio: PECULIARIDADES NUPCIALES ROMANAS Y SU PROYECCION MEDIEVAL, UNIV. DE LEÓN.
  • Ceremonía y rubrica 
  • http://liturgia.mforos.com/1699076-matrimonio/
  • http://opusincertumhispanicus.blogspot.com.es/2015/10/las-bodas-en-la-baja-edad-media-y-en-el.html
  • https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/d9/Beaune,_Coll%C3%A9giale_Notre-Dame,_Tapisseries_de_la_Vierge_007.JPG
  • http://www.palencia.com/becerril/images/300-desposoriosvirgen.jpg

viernes, 24 de marzo de 2017

EL ENIGMÁTICO DISCO DE FESTOS


El disco de Festos (o disco de Phaistos) es un curioso hallazgo arqueológico de finales de la edad de bronce. Fue descubierto el 15 de julio de 1908 por el arqueólogo italiano Luigi Pernier en la excavación de un palacio minoico en Festos (Phaistos), cerca de Hagia Triada, en el sur de Creta. El propósito de uso y el lugar en el que se construyó aún no han sido determinados, lo que ha convertido a este objeto en uno de los más famosos misterios de la arqueología. Actualmente se encuentra en el museo de Herakleion en Creta (Grecia).
Algunos arqueólogos suponen que la escritura del disco de Festos es minoica, pero no se trata ni del lineal A ni del lineal B. Aproximadamente 10 signos del disco son similares a signos de la escritura lineal. Por esa razón, otros especialistas le atribuyen un origen no cretense. Por ejemplo, según la “teoría proto-ionica”, el disco seria la obra de un pueblo cicladico.
Una de las cosas que hace que el Disco de Festo sea una pieza única es el hecho de que los caracteres que aparecen sobre el disco no son dibujos sino impresiones realizadas con algún tipo de tampón o sello, con lo que a efectos prácticos podríamos afirmar que se trata de uno de los primeros documentos impresos de la Historia.



Durante todo el s.XX han sido numerosos los intentos de descifrar el contenido del disco, en el que pueden apreciarse 61 palabras, 30 en un lado y 31 en el otro, en una secuencia de impresión en espiral cuyo significado se desconoce.
Se ha considerado todo tipo de hipótesis sobre su contenido: Desde plegarias religiosas hasta inventario de soldados, pasando por narraciones épicas y todo tipo de teorías especulativas pseudo-científicas… como no podía ser de otra forma, como es redondo, ha faltado tiempo para que saltaran auto proclamados arqueólogos relacionando el disco con extraterrestres y marcianos, o con mitos fundacionales de culturas un poco extrañas…

“Un objeto hallado el 3 de julio de 1908 por un equipo de arqueólogos italianos que encontraron "nella sera", como dijeron ellos, en el ala nordeste del palacio de Festos, sembrado,intacto en la tierra negra, entre restos calcinados de bovinos, ceniza, polvo y pedazos de cerámica, minoicos y helenísticos, un disco de arcilla de quince centímetros de diámetro, con ambas caras grabadas con signos dispuestos en espiral. Ceniza, bovinos, disco, cerámica y hasta una tableta con signos trazados en la llamada escritura lineal A, fueron puestos en una canasta y -como si se tratara de un recién nacido largamente esperado- fueron presentados  al jefe de la excavación, el arqueólogo Luigi Pernier”.

(El disco del tiempo. Ediciones SM. p. 19)


El arqueólogo italiano Luigi Pernier encontró el 3 de julio de 1908, en el transcurso de unas excavaciones llevadas a cabo en el palacio de Festos, un disco de arcilla de unos 15 cm de diámetro, impreso en sus dos caras por una serie de signos que parecen componer un mensaje jeroglífico.


El Disco de Festos ha sido visto como un calendario, un juego de la oca, una oración a la Gran Diosa, un inventario de bienes…

El enigma persiste, pues los más rigurosos investigadores señalan con propiedad que no podrá descifrarse mientras no aparezcan artefactos o inscripciones parecidas.
Desde hace mas de 100 años, el Disco de Festos, el unicum, arde en su misterio en espera del nuevo Champollion que, contra todo pronóstico, lo descifre.

Los expertos coinciden en la singularidad de la escritura de este disco ajena a las de la isla de Creta y de las conocidas en todo el medio oriente constituyendo “un caso único” y que “nada demuestra que su origen sea  cretense”, en palabras de Jean-Pierre Olivier (Las civilizaciones Egeas, del neolítico y de la edad del bronce. Editorial Labor-1992).
Para los estudiosos del neolítico y el bronce de la península ibérica deberían llamar la atención algunos de los ideogramas que aparecen en el disco, pero este no ha sido el caso y salvo el notario (metido a investigador) D. Blas Infante ninguno hace referencia al posible origen andaluz-peninsular de este disco. Blas Infante, en su libro El Ideal Andaluz, hace una clara referencia al tema al asegurar que “en el disco de Festos…. se encuentran los caracteres neolíticos andaluces, reproducidos exactamente, formando en la inscripción con otros representativos”.
La aparición de este disco perteneciente al mundo argárico-tartésico en una zona como la isla de Creta, y en una época como es mediados del segundo milenio a. de C. (entorno  al 1.500 a.de C.), no es extraño si tenemos en cuenta los múltiples intercambios comerciales entre la península y el mediterráneo oriental, como nos dice F. Jordá en el primer volumen de La Historia del Arte Hispánico ( La Antiguedad) de la Editorial Alhambra, Madrid-1978, “dentro ya del segundo milenio a.de C las influencias y contactos con los pueblos del mediterráneo oriental se hacen cada vez más patentes y más intensos. Las necesidades de metal (cobre, estaño, plata) de las “grandes potencias” orientales (hititas, sirios, micénicos y egipcios) hace que esos contactos sean cada vez más estrechos, lo que determina la inclusión de nuestra península dentro del área comercial del mundo mediterráneo”.
No sólo estaría el disco de Festos como prueba de esas relaciones entre oriente y occidente en tan tempranas fechas, ahí están también las tumbas “micénicas” y los idolillos “cicládicos” que aparecen en Andalucía durante la cultura de los Millares, datadas mucho antes que las civilizaciones micénicas y cicládicas. También están las pinturas de barcos “de tipo egeo” aparecidas en una cueva cerca del estrecho de Gibraltar. Esperemos que con el tiempo, el interés de los estudiosos y un poco de suerte en las excavaciones  (de hecho, ya se van encontrando en Andalucía algunas piezas cerámicas catalogadas como micénicas que van confirmando estas relaciones) pueda llegar el momento en que se esclarezcan con rotundidad las relaciones entre Andalucía y el mediterráneo oriental
Ahora no se trata de exponer todas las pruebas que demuestran estas relaciones (al margen del tipo de relación) si no de intentar establecer la  del disco de Festos con la, hasta ahora no comprobada escritura ideográfica tartésica, y más en concreto con las leyes en verso que según Estrabón tenían los turdetanos, descendientes de los tartesios, con más de “6.000 años de antiguedad”. Es posible que los 6.000 años de Estrabón no sean los actuales, sino más bien serían años tartésicos de tipo estacional. Es decir, que se trataría de unos mil quinientos años antes de él, lo que equivaldría que las leyes en verso de los tartesios se remontarían hasta mediados del segundo milenio a. de C. con lo que nos situamos en las fechas dadas para el discos de Festos.

En la época a la que se hace referencia  existía en Andalucía un pueblo, el llamado argárico, con un alto nivel económico y cultural, que dominaba la navegación y que extendía su influencia desde el sudeste peninsular hacia el levante y hacia oeste por el bajo Guadalquivir y la costa atlántica. El pueblo argárico se puede considerar como tartésico en sentido amplio siguiendo a Maluquer de Motes o Gómez Moreno y no, como otros estudiosos sostienen, circunscribiendo lo tartésico sólo al periodo llamado “orientalizante”.
Es lógico pensar que una cultura como ésta que mantenía un gran intercambio comercial necesitara de la escritura al igual que los pueblos contemporáneos. Aunque no se ha encontrado algo que se pueda considerar como escritura relacionada con los argáricos, sí que existen multitud de ideogramas por separado que inducen a pensar en que sí existía. Y es aquí donde llegamos al disco de Festos, ya que algunos de los ideogramas que aparecen en el disco y que no se pueden relacionar con su entorno físico si que aparecen en la península e incluso alguno de ellos sólo se conocen aquí.
El disco de Festos tiene 45 signos diferentes entre las dos caras. Están distribuidos en espiral  en grupos perfectamente separados como si cada grupo constituyera  una frase. Si analizamos una de las caras, que podríamos denominar cara A, y pusiéramos las frases (cuenta con 31 grupos de ideogramas o “frases”) en líneas independientes y si nos fijásemos en las terminaciones de cada frase podríamos deducir fácilmente que se trata de un poema que cuenta, incluso, con un “estribillo” ya que tres de las frases se repiten en grupo dos veces y una de ellas individualmente se repite tres veces. También podemos observar como la misma terminación compuesta por dos ideogramas se repite en 12 ocasiones de las 31 frases, alternándose como ocurre en un poema.
De los 45 ideogramas que aparecen en el disco, muchos de ellos pueden considerarse comunes a los ideogramas que se utilizaban en todas la escrituras, por ejemplo: una rama, un pez, un pájaro, un hombre, etc que se  utilizaban dibujadas de una forma u otra y que podemos encontrarlos aislados o en grupo en las pinturas esquemáticas en la península sin que se puedan considerar exclusivas de una zona.. Pero llama poderosamente la atención la existencia de dos ideogramas que podemos considerar como propios de las culturas del bronce peninsular, sobre todo de los argárico-tartésicos..el ideograma de la flor de ocho pétalos, símbolo que se ve en una "arracada" o pendiente tartésico que se conserva en el museo de Cádiz y que está muy relacionado con la estrella de ocho puntas tartésica. Pero sobre todo, llama la atención el ideograma que representa a un guerrero con un penacho de plumas en la cabeza que es propio de los guerreros argáricos que navegaban por el atlántico y el mediterráneo dejando sus huellas por todos lados en forma de pinturas rupestres e insculturas. Estos guerreros con penachos son estudiado por F. Jordá y J. Mª Blázquez en el libro Historia del arte Hispánico -LA ANTIGUEDAD. y por F. Jordá Cerdá en “los Tocados de plumas en el arte levantino”.
También aparecen guerreros con penachos en una estela egipcia de Ramsés II en la que se recuerda la lucha y la victoria contra los invasores conocidos como “pueblos del mar” de los que formarían parte los argárico-tartésicos, según F. Jordá Cerdá. La presencia de estos prisioneros con penachos en la estela de Ramsés II viene a demostrar esta intuición del profesor Cerdá.
Otra característica que llama la atención del disco de Festos es el estar escrito en espiral lo que puede tener un paralelismo con las estelas tartésicas posteriores que también tiende a la escritura en espiral.
De todo ello podemos intuir la pertenencia a la cultura argárico-tertésica del disco de Festos, que no sólo sería la primera escritura conocida de los pueblos peninsulares sino también sería el primer poema del que tenemos constancia de un pueblo tan dado a la poesía como el pueblo tartésico-bético-andalusí-andaluz.

https://www.elpensante.com/el-enigmatico-disco-de-festos/
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http://www.elmundo.es/la-aventura-de-la-historia/2014/10/27/544e28d6e2704e791d8b4579.html
http://www.muyhistoria.es/h-antigua/articulo/el-misterioso-disco-de-festo-es-una-falsificacion
http://www.lagranepoca.com/ciencia-y-tecnologia/37045-el-enigmatico-disco-de-festos-podria-ser-un-antiguo-himno-a-astarte-diosa-del-amor-y-de-la-guerra.html

jueves, 23 de marzo de 2017

LUIS XV SU ESTILO Y REPERCUSIÓN


Luis XV "Le Bien-Aimé", fue rey de Francia y de Navarra entre los años 1715 y 1774. Casi 60 años, que nos han dejado en herencia, además de un estilo que se resiste a morir, usos y costumbres que conforman la casa tal y como hoy la conocemos.

Luis XV por Maurice Quentin de La Tour.
Esta época de la historia, tan exquisitamente reflejada en “Las amistades peligrosas”, fue un tiempo feliz (para muchos), donde el espíritu del confort y la cultura de salón florecieron con inusitado vigor. El salón, centro neurálgico de la casa, se convirtió también, en el centro del siglo. En él, se tomó la Ilustración con té y macarrons, igual que la revolución con petit choux. Así, en el film de Stephen Frears, basado en la novela de Chordelos de Laclos, este espacio es el epicentro de la argucia, la maldad y el cinismo sublimados, representados en los personajes de la marquesa de Mertueil y el vizconde de Valmont. Sin duda, el tema de la novela se aleja de los salones intelectuales del siglo, aunque no por eso le vamos a quitar mérito a los alambicados subterfugios de la trama.

Rousseau, Voltaire, Diderot, D'Alambert le dan color a la fiesta.

La marquesa de Merteuil en plena estrategia.
No quiero comparar el personaje de Glenn Close con las míticas “salonnières”. Julie de LespinasseMadame Du Deffand o Madame Geoffrin, sólo por citar algunas, le dieron brillo a la cultura, hasta deslumbrar, codeándose con los escritores, políticos e intelectuales de más altura. Hicieron del salón un entorno de libertad absoluta, donde las ideas y el lenguaje refinado volaban sobre la cabeza de los asistentes.

Madame Du Deffand, Madame Geoffrin y Julie de Lespinasse.
El origen de estos salones tiene lugar en el siglo XVI, pero es en el siglo XVIII cuando adquieren toda su relevancia. Se convierten en el espacio de libertad femenina, donde todas las convenciones sociales quedan fueran y preparan el camino para la liberación de la mujer. El salón tiene como norma la libertad de expresión, la usual intervención de un “estrella del momento”, los asiduos y una moderadora femenina. La conversación es refinada y la agitación intelectual es el plato principal. Su práctica ocupa todo el siglo y todos ellos actúan como pequeñas reservas del matriarcado donde se discuten las ideas de la ilustración, la literatura y las ciencias. Cualquier norma moral o religiosa queda fuera de los salones, de ahí que en países muy creyentes o de moral estricta, los salones no existieran.

Recreación decimonónica del típico salón Luis XV.
Volviendo al film propiamente dicho, la presencia de mueble rococó es muy abundante y variada. Y nada parece hecho al azar. El diseño de producción pensó en todos los detalles y podemos observar como la casa de campo de la tía de Valmont, Madame de Rosemonde, representa un estilo más anticuado, supuestamente más ad hoc para la anciana dama que la habita. Veremos muebles de estilo Luis XIV en la parte del salón y otros, Luis XV en la galería.

El cuerpo narrativo de la película tiene una clara estructura teatral, no es vano es una adaptación de la obra de teatro del mismo autor del guión, Christopher Hampton, que resume en dos horas de metraje un cuerpo epistolar hierático, dándole vigor y ritmo a la historia. Los actos o el planteamiento nudo y desenlace fluyen en un inevitable camino hacia el drama final y a la vez se reflejan en los espacios de la casa. De esta forma, el salón es siempre el punto para plantear la argucia, el despacho funciona como base de la estrategia y el dormitorio nos sirve el resultado final. Aunque a veces este último se mezcla con el primero y ya no sabemos distinguir entre lecho y escritorio.

El hecho de que la novela sea epistolar, provoca una continua sucesión de escenas donde las misivas vuelan de plano en plano. Este hecho nos evocaba una avanzada red social, que de haber existido tal y como hoy la conocemos hubiera supuesto muchas más maniobras y tretas para su protagonistas. No nos cuesta imaginar un whatsApp llegando al iPhone de Cecile con un gran OMG, cada vez que Valmont le pasa un mensaje, ni la cara de la marquesa de Merteuil leyendo en su portátil los mails del susodicho, ni tampoco los tweets de la sociedad parisina con el trending topic del momento #duelovalmont. Vaya una pequeña broma para reforzar la idea de lo antigua que es la red.
Al margen de su valor cultural o social, el salón es también la comodidad (la vida relajada). Y en este siglo es cuando se culminan todos los elementos que hacen nuestra vida más agradable en este sentido. La silla, el sillón, la chaise longe o el sofá, toman cuerpo en el XVIII y es el momento en que se fija la distribución de los apartamentos, distinguiendo, por ejemplo, entre la alcoba, el salón, la antecámara y un sinfín de pequeñas habitaciones como el boudoir, el cabinet de travail o despacho, el comedor con sus muebles específicos e incluso, en algunas viviendas, hasta el cuarto de baño.

Para dejar clara la referencia del momento rococó les  dejo un cuadro de evolución de los estilos franceses, representados en la patas de los muebles y el elemento favorito de ebanistas y clientes: el rocaille.

El galbo (perfil) se hace más estilizado durante el rococó y las patas se rematan con un "cabochon" o adorno.

La rocaille o rocalla son estas formas sinuosas y orgánicas que se usan en la decoración de los muebles. Se inspiran en piedras de la naturaleza y ciertas formas de conchas. Su nombre dio origen a la palabra rococó (mitad rocaille, mitad coquille -concha marina-) y fue el término peyorativo usado por los neoclásicos para denostar el en que su tiempo fue llamado "del gusto moderno. La moda es así, efímera.
El mobiliario de asiento evoluciona hacia estructuras más confortables y cómodas durante el reinado de Luis XV. A diferencia del estilo anterior -Luis XIV-, en el siglo XVIII, la tapicería es más rica, la línea se hace más ligera y voluptuosa, la profusión de relieves, bronces y detalles se acentúa. No olvidemos que es el momento del lujo, la fiesta y el placer como protagonistas, por eso la nueva moda es cómplice de los gustos sociales.
De Luis XIV a Luis XV.
La variedad de modelos para descargar el peso del cuerpo, no deja de asombrarnos, por la cantidad de asientos diferentes, pero se observan dos categorías principales: la siège meublant à la reine y la siège en courant o en cabrioletLa siège en cabriolet o en courant, se diferencia de la siége à la reine por su respaldo y utitilidad. Mientras que las primeras tiene un respaldo plano y se sitúan contra las paredes de la sala, haciendo juego incluso con los motivos de la pared y boiseries, las en courant tiene el respaldo curvo, lo cual las hace más confortables. Se colocan en el centro de la habitación o donde manden las exigencias.

Dos fauteuil à la reine. En la tapicería, las fabulas de la Fontaine, trending topic de la época. Fuente Kollenburg Antiquairs.

Valmont en un fauteuil à la reine, llama la atención de la marquesa para que se ponga "cómoda".
La siège en cabriolet o courant. 
A partir de esta gran división se inventan infinidad de tipos adaptados a la misma mínima necesidad. Los sillones grandes o bergères se convierten en de commodité para enfermos, en tete-á-tete para acoger a dos personas. La chauffeuse es una silla baja para calentarse junto a la chimenea y la chaise-longue o duchesse permite estirar las piernas. Se extienden los modelos de canapés o divanes y hasta se crea la voyeuse, con la parte alta del respaldo aplanado y acolchado especialmente pensado para que se apoyen los espectadores del juego cómodamente sentados sin incordiar durante la partida.
Dentro del universo lit de repos,la variantes son muchas y los expertos no se ponen de acuerdo en muchas ocasiones. Sin ir más lejos, las diferencias entre chaise longue, duchesse y lit de repos no están demasiado claras. Mientras algunos sugieren que la duchesse es el nombre antiguo para la chaise longue, otros se desmarcan con lo contrario y citan la duchesse como un estilo de chaise longue nacido en el reinado de Luis XV. En cuanto a la categoría lit de repos, podríamos incluir todas las variantes (chaise longe, duchesse, duchesse brisée etc) en ella sin equivocarnos. Los largos varían entre unas y otras, y mientras que en la duchesse el respaldo es curvo, en la chaise longue es plano.

Chaise longue en bateau de rejilla en los aposentos de Madame de Volangues.

La chaise longue. Fuente French Accent.

La duchesse. Fuente Paulina Ballesty.

La duchesse brisée. Brisée quiere decir partida. En algunos casos está formada por dos piezas, y en otros por tres (la bergère, le tabouret y le bout de pied). Fuente Antiques.com

La bèrgere. Fuente Proantic.

Bergère Marquise. La moda de la ampulosa crinolina o miriñaque, obliga a los ebanistas a inventar sillones apropiados a la tendencia. Fuente Moissonier.

El Ottomane. Un sillón bajo con el respaldo curvo para evitar las insidiosas corrientes de las grandes casas. Fuente Confort Decor.
Dentro del salón y también fuera de él, se usan muebles comodín que lo mismo valen para un té con pastas que para poner un jarrón. Existen también muchas pequeñas mesas para diversos usos: el bonheur du jour -mesita para escribir con un segundo cuerpo-, para tomar café, de juego, de chevet -mesilla de noche-, en chiffonniére -pequeño escritorio. A veces algunas son à la Tronchin, con tapa abatible para escribir.

La table à écrire. A la izquierda, mesa de Jean-François Œben, fuente Paris. fr. A la derecha mesa de Léonard Boudin fuente Paris.fr.

Table à jeux. Fuente Proantic.
La consola es mueble decorativo profusamente decorado con rocaille, patas de bronce y tapa de mármol. Evoluciona de formas más pesadas de la época de Luis XIV a una representación más ligera y elaborada en el estilo rococó.

Consola Luis XIV. Fuente Museo de Artes Decorativas de París.

Consola Luis XV. Fuente Kollenburg.
Hacemos una parada en este punto y los invito a descansar antes de que llegue Robespierre y nos desmonte la casa. À bientôt...
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